Encuentro cercano con Angel RADA

En una conversación reciente con Angel Rada, mago electrónico en cuya figura se centra Tropical Cosmic Sounds from Space, una nueva recopilación de El Palmas Music de la música que realizó este pionero en la década de 1980, este músico apasionado e implacable nos revela algunas ideas extraordinarias acerca de su carrera, nos habla de filosofía y misticismo y nos abre las puertas a recorrer el espíritu de su música.

Como artista ha puesto un énfasis especial en el concepto y, sobre todo, el sonido, de su música. En este sentido va cambiando con el tiempo, pero usted siempre se mantiene en la vanguardia. ¿Qué le empuja a evolucionar?

Es difícil conceptualizarme, pero puedo intentar resumir mi respuesta en algunos eventos precisos. A los 13 años comencé mi formación musical con mi tío, Gustavo Requiz Fernández, director de coro de la Catedral de Caracas, fui admitido en la Escuela Nacional de Música José Angel Lamas. Estudié teoría y piano, pero luego decidí mudarme a Alemania para estudiar música electroacústica en la Universidad de Lübeck. El Moog Modular me causó una gran impresión… Al mismo tiempo comencé a estudiar Ingeniería Química y obtuve el doctorado en ambos. Creo que en ese transcurso me involucré en algunos eventos fortuitos. El primero, al reunirme con Klaus Schulze, cuando todavía era miembro de Tangerine Dream. Hicimos clic de inmediato porque estaba muy interesado en el trópico. Él conocía muy bien el Moog Modular, así que fui a su apartamento y vi su equipo. Le pedí que me enseñara sobre osciladores, controladores de voltaje y técnicas de filtros. Me invitó a Colonia a un festival de la Universidad de Rock Cósmico y Electrónico organizado por estudiantes. Fui allí y me presentó a Edgard Frosse y Kraftwerk en una pequeña celebración en los Estudios Kling Klang. También tuve la oportunidad de escuchar Ash Rra Temple, conocer la “Escuela de Berlín” y la “Escuela de Dusseldorf” de primera mano, dos términos nuevos para mí. Este fue el comienzo de mi primera etapa, a la que llamo “Tecnológica”, una fusión de psicodelia y tecnología. Estar en contacto con estudiantes de ciencias en la Facultad de Ingeniería también fue una influencia clave para mí a nivel conceptual. Comencé a darme cuenta de que en el universo nada se detiene, todo cambia de un estado a otro y cada objeto se forma moviendo átomos que intercambian electrones. Mi percepción evolucionó a una segunda etapa centrada en la relación entre la física cuántica y el budismo, indicada por Fritjof Capra en The Tao of Physics, por ejemplo. En un momento dado llegué a la conclusión de que la música electrónica era fría y puramente tecnológica, pero la música, evidentemente, ya era más que eso para mí. El sonido de los anillos del planeta Saturno, captado por el satélite Cassini, nos dice que el Universo tiene sus propios sonidos, como Isao Tomita ha capturado en sus álbumes. Consideré que la música podría ser el lenguaje sonoro del Universo, y muchos de sus sonidos proceden de la observación de un entorno particular. Como compositor, este nuevo mundo mágico era necesario, así que pensé en crear un concepto de etnia y sonido, que llamé Ethnosonics, que involucrara instrumentos musicales, algunos de ellos ancestrales. Entonces, con un sampler, una de mis principales herramientas digitales desde entonces, capturé instrumentos indígenas para recrearlos o crear otros nuevos. Etnosonics es un concepto científico y artístico, podría incluir arqueología, paleontología, física cuántica, espiritualidad, psicología, psiquiatría y seguramente puedo decir que ha dividido la línea de tiempo de mi trabajo, mi desviación definitiva de la música electrónica. 

¿Cómo compone? ¿Utiliza algún instrumento en particular para expresar rápidamente sus ideas o se trata de un proceso más contemplativo?

Escribo en diferentes medios, puede ser con software como Supercollider donde uso el lenguaje de fórmulas algorítmicas. También uso Sonic Pi en una computadora Raspberry Pi, a veces uso Propellerheads Reason, Ableton Live, Ardor, etc., también uso Finale y Sibelius donde solo escribo notas musicales, no escribo la melodía, sino la base armónica, La melodía es lo último que se hace. La selección de sonidos es más compleja ya que no uso presets, los creo y tengo una gran biblioteca propia, muchos de ellos son instrumentos antiguos recuperados a través del sampleo. No ensayo todos los días solo 3 veces a la semana, y compongo dos veces, después de caminar observando la arquitectura que me rodea que descompongo en figuras geométricas para crear el patrón rítmico que deseo integrar. A veces, comienzo de la melodía si es una composición de dos o más conversaciones melódicas.

¿Qué sintetizador o instrumento le ha dado la mayor sensación de libertad para expresar lo que tenía en mente y por qué?

No hay ningún sintetizador específico, cada uno de ellos tiene sus propias características y cualidades diferentes, cada instrumento me da libertad para crear, solo depende de las capacidades del músico y su conocimiento del sintetizador, lo que no es tan sencillo. Hay que estudiar electroacústica y electrónica en la universidad. He visto personas tratando de replicar el sonido de un violín u otro instrumento natural y accesible, este es un terrible error. Los sintetizadores son instrumentos modernos, creados para generar nuevos sonidos, sonidos que ningún instrumento natural puede hacer. Debes respetar a un instrumento de infinitas posibilidades, la única limitación es el conocimiento del músico. La libertad que uno podría tener para expresar a través de la música no está condicionada por el instrumento sino por el conocimiento, la experiencia de nuestro arte, nuestra dimensión mística en torno a lo que queremos expresar, nuestra disciplina de estudio. Consideré los sintetizadores como la herramienta más poderosa para expresar la canción de mi alma, la particularidad del universo en sus diferentes tonos y matices. Los sintetizadores modulares me dan libertad para crear, solo depende del conocimiento y el control de la técnica.

¿Ha encontrado algún elemento en común entre quienes admiran su música?

Personas de todo tipo han disfrutado mi música a lo largo de los años, pero sobre todo personas interesadas en la tecnología. He estado viendo niños con padres que vienen a mis shows últimamente, pero es por sus padres. Me siguen en las redes sociales y me mantengo en contacto con ellos siempre de manera amistosa, siempre reciben una respuesta de mí, me hablan de sus vidas y me preguntan sobre mi música… También tuve admiradores entre bandas, fui esponsor profesional de Zapato 3, Resistencia, Desorden Público, entre otros. Celebridades como Mecano asistieron a mis conciertos en Caracas cuando estaban activos y de gira, también otros artistas como Duncan Dhu, Neuronium (Michel Huygen es un buen amigo mío).

Usted pertenece a una generación única de investigadores en un tipo de música totalmente inusual y novedoso en su momento ¿Qué tenía en común con sus colegas y qué lo diferenciaba?

Sí, soy de esa generación que comenzó con música electrónica seria. Klaus Schulze era mi maestro en Alemania y Stomu Yamasta en Japón. Robert Moog, Yamaha, Korg y Roland me capacitaron, me dieron algunos conocimientos en síntesis aditiva y frecuencia modulada. Fui entrenado con Buchla, ARP Co. y Euro Rack.

Tengo algunos elementos similares con Klaus Schulze, Kraftwerk, Kitaro y Jean Michel Jarre, pero últimamente, la Etnosonics se hace solo con mis elementos para diferenciarme de todo. Teniendo en cuenta que mi trabajo es más melódico y más cálido, la etnosónica tiene más humanidad que el alemán Krautrock. Ahora mi música resulta ser más agradable y comprensible, tal vez por eso la gente entiende más mis primeros álbumes. 

La diferencia más sutil con mi generación es mi mezcla espiritual y científica, que también afecta mi definición de la música. Al igual que la arquitectura no congelada, mi música necesita espacios para expresarse, dependiendo de la reverberación y la acústica, mi música integra al universo en la expresión.

Acerca de su trabajo actual, ¿en qué está trabajando en este momento? ¿Sigue investigando etnosónicas impresiones o estamos en una nueva fase de Rada?

Puedes escuchar mi último álbum Aeroblues in Concert at Bandcamp, en el que regreso a Kraut Rock. También sigo experimentando con ethnosonics pero lo combino con algoritmo de música codificada. El concepto está dirigido al alter ego y sus efectos sobre el hombre y la evolución de la espiritualidad lejos de los antiguos conceptos de religiones, haciéndolo más científico. Hay guitarras interpretadas por el famoso guitarrista Eliah y guitarras virtuales que proporcionan nuevos ambientes.

Desde sus primeros discos, la filosofía y la ciencia parecen estar presentes. ¿Qué lo motiva a explorar diferentes territorios en la música, por ejemplo, modificando la afinación de instrumentos o usando escalas musicales de otras tradiciones?

Aprendí sobre el cuarto de tono con Ravi Shankar. Desde entonces, en mis composiciones siempre integro algunas técnicas orientales, instrumentos musicales o armonías.

Ethnosonics no excluye ninguna técnica creada por la humanidad si ha trascendido en el tiempo. No hay músico completo si no conoce todas las técnicas musicales, africanas, caribeñas, folklóricas o contemporáneas, usar solo una técnica es limitante. Creo que la etnosónica es una fusión de técnicas musicales de diferentes latitudes, lista para ser utilizada de acuerdo con lo que quiero exponer, y uso títulos sugerentes que sirven como una metáfora hiperrealista para las idiosincrasias y costumbres de una civilización específica diferente a la occidental. Se puede decir que la etnosónica es un compendio de diferentes técnicas de diferentes lugares, la música de la humanidad de una manera hiperrealista y, a veces, incluso surrealista.

Muchas técnicas musicales están almacenadas en mis álbumes y trato de no repetirlas nunca. No escucho mis álbumes anteriores para evitar influir y repetirme, no he alcanzado ningún límite, ya que la búsqueda de la armonía musical es infinita.

upadesaUpadesa (1983)

En nuestro viaje vital, el ego generalmente nos sabotea. ¿Ha logrado detectar algo del ego en su proceso creativo que haya tenido que superar? 

El ego no afecta la creación, afecta el comportamiento del artista, podría enajenarse, ser pretencioso y egoísta y eso afectará su carrera. Por otro lado, la humildad es la herramienta más poderosa y sostenible antes de la fama y para mejorar sus creaciones. No incluyo el ego en mi trabajo, ya que trabajo solo y no me importa la fama. De hecho, odio promocionarme o hacer entrevistas a menos que me pregunten sobre cosas como estas. El músico debe tener mucha calidad humana, ser honesto y sincero con su audiencia, veraz en sus composiciones musicales. 

Los eventos catastróficos me han impedido continuar con proyectos, dos de ellos fueron terremotos y la tragedia de Vargas, inundaciones y deslizamientos de tierra destruyeron mi casa y perdí todos mis instrumentos y estudio. Me tomó mucho tiempo volver a adquirirlos y encontrar un nuevo hogar. Sin embargo, aprovechas esos eventos o el terror que generan, y compones sobre ellos como lo hice en “Pánico a Las 5” y “Mar de la Tristeza”. En este momento estoy luchando con los eventos que ocurren en mi país, un pseudo sistema inspirado en el comunismo marxista donde la hiperinflación ha alcanzado límites impensables. Somos una población que sufre de impotencia aprendida y no lucha. Venezuela se ha convertido en una tierra de nadie, con millones emigrando a otros países.

Después de experiencias tan dolorosas a lo largo de tu vida, ¿crees que la vida influye en el arte? 

Todo podría ser una inspiración para el músico serio cuando se compromete, todo es una influencia potencial para él o ella psicológica y emocionalmente y esto se nota en todas las carreras. Beethoven, Chopin no se dejaron intimidar por los trágicos acontecimientos que vivieron: guerras, exilios, hambre y pobreza… y, sin embargo, tenemos acceso al precioso legado de sus composiciones, virtuosismo y ricas texturas. Podemos transformar el dolor en melodías, armonías maravillosas si sabemos leer nuestros sentimientos antes de estos eventos. En la canción “América! ¡Cristo Mío!” de mi álbum The Golden Flame expreso con el piano y las cuerdas el dolor de las Américas, el sufrimiento y la desorientación del pueblo latinoamericano, las calamidades causadas por las grandes corporaciones, los regímenes corruptos y la hambruna. En Amazonia Rain trato de expresar el desastre que ocurre en la Amazonía. En Maderas Biosonicas expongo mis sentimientos sobre la vida de los indígenas Yanomamas (‘los niños de la luna’), y traté de canalizar su dolor usando sus propias voces cuando están en rituales mágicos. Utilicé un árbol de una investigación científica alrededor del antiguo KiyaYukuri y lo convertí en rizos de sonido llamados BIOLOOPS. Todo puede ser una musa y siempre será así.

Sus herramientas de trabajo también han evolucionado. ¿Echa de menos algo del mundo analógico o ahora estás totalmente en DAW y VST?

Nunca he abandonado los sintetizadores analógicos, pero ahora también uso los digitales, pero deben ser modulares, esa es la única condición, pero para mí es un hecho que es imposible mantener los sintetizadores físicos por las razones expresadas anteriormente en esta entrevista. Utilizo software DAW como Cubase, Cakewalk, Reason, Reaper, LMMS, Pro Tools, Ableton, FL Studio, etc., según las funciones que desee. Tengo miles de sintetizadores VST. Tengo una consola mezcladora con 8 canales, pequeña, sólida y fácil de transportar.

¿Rescataría algo concreto de los mundos analógico y digital?

Los sintetizadores modulares Moog, Arp 2600, Korg Trident, Synclavier, Solina y el Mellotron, aunque los uso en forma virtual gracias a Arturia. Por lo demás, nada es salvable ya que los digitales no tienen trascendencia como los analógicos.

¿Algo que te preocupe por la música hoy en día?

Hoy en día está sucediendo algo terrible en la música popular: es decadente, y esto es perjudicial para los músicos serios y académicos. Los productores codiciosos, ansiosos por el vil metal han destruido la rica historia musical de los países, las radios promueven la vulgaridad y el lenguaje sucio, disminuyendo a las mujeres al representarlas como una herramienta sexual. La música comercial se ha convertido en una revelación precaria de una pseudocultura que desprecia la calidad y la técnica musical, la estética de la melodía y la armonía.

En mi opinión, estamos en medio de una era oscurantista de la música, pero pasará, como otras tendencias. Me río cuando un DJ me dice que hace música electrónica minimalista. Me encantaría preguntarle si ha estudiado arte minimalista en pintura y escultura, si ha estudiado arte efímero. La música electrónica real se basó en ideas de Bauhaus y el Dadaismo, tuvo una gran carga de minimalismo, rock y electrónica. Los músicos podían ensamblar sus propios sintetizadores, para crear sus propios ritmos y sonidos. 

Tropical Cosmic Sounds From Space, un recopilatorio de la música de Angel Rada entre 1980 y 1989 a cargo de El Palmas Music y está disponible en Bandcamp.

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